Dafo projectes

JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.

JOSEP MAYNOU. Hip-Hup.

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Supersimétrica. Madrid
Comisariado por Jordi Antas
Del 22 al 25 febrero.

Hip-Hup  es una expresión inventada, aparentemente sencilla e ingenua, de baja relevancia que nos recuerda por su sonoridad y su visualidad al hip hop, o al hip hip hurra, ese gesto entusiasta pero ya desfasado de los noventa, o al hipo, el sonido gutural e involuntario que hace sin control nuestro cuerpo. Un término disfuncional próximo a un sistema de pensamientos automáticos, sintéticos, y breves que destilan humor y absurdidad en base a una idea de libertad -evidentemente falsa y paródica- que incide de manera directa en el lenguaje y la flexibilidad discursiva que utiliza Josep Maynou (Barcelona, 1980) en sus trabajos.

En su práctica artística, Maynou parte de pequeños espectáculos o story tellings donde plantea, a partir de sus experiencias cotidianas, una trama imaginaria donde el relato argumental convierte al propio artista en el personaje que a la vez, entra y sale del entorno para crear sus propias historietas. Un proceso de trabajo que se complementa con las estancias que pasa en una zona rural de Marruecos donde vive y trabaja con comunidades locales fabricando alfombras en las que incorpora sus  dibujos y frases inconexas. Un modo de actuar entusiasta que no solamente recae en la narración, sino que el artista asume además una posición de marca de si mismo a partir de los espacios que habita, los restaurantes que visita, las referencias pop de los noventa que le interesan, los viajes, los encuentros, o su ropa. Elementos entre lo insignificante y lo subversivo que incorpora en algo parecido a un lifestyle que le ayudan a confeccionar su discurso bajo diferentes líneas de trabajo: de un lado todas estas experiencias vivenciales actúan como guión del relato y en la formalización de los objetos; del otro, estos mismos elementos le sirven de escenografía y son la base de sus performances y shows.

En este sentido, y planteado como un ensayo expositivo, Hip-Hup reúne la actitud, desacomplejada y desarraigada de Josep Maynou. Propuestas que des de diferentes registros como alfombras, pinturas, dibujos, objetos escultóricos, el video o la performance nos presenta, a partir de ideales marginales y lúdicos,  analogías entre lo oral y lo escénico, entre el fabulador y el bufón, o entre el engaño y la honestidad. Una labor acumulativa que, desde conceptos como la ironía, la parodia, o la derrota incorpora referencias del mundo de la homogeneización global de la cultura y lo trata como una stand up comedy. Los objetos y elementos que presenta definen a menudo posturas imprecisas que de manera deliberada evidencia una lectura simbólica e implica una serie de responsabilidades en las cadenas de producción contemporánea que además evidencia los procesos colectivos de creación.

Es el caso de Fido dido (2017) una alfombra de grandes dimensiones confeccionada de manea artesanal en Marruecos que descompone el personaje mítico de los noventa que se hizo muy popular y que acabó siendo el icono y la imagen del refresco 7Up. Un desorden en las líneas y trazos del cartoon que Maynou relaciona con el Purple Drank o Sizzurp, una bebida casera hecha con codeína y prometazina, y regada con 7Up que se popularizó entre la gente más joven de la misma época. Ahí es donde Maynou relaciona esta bebida con la decadencia y el fracaso final de Fido dido a partir del consumo que el propio personaje hizo del Purple Drank. Una especie de autodestrucción entre la relación de poder y la globalidad capitalista, al mismo tiempo que genera fisuras más allá de los formatos de arte tradicionales prescindiendo de cargas intelectuales para trabajar con absoluta libertad.  Hip-Hup (2017), es la pieza que da nombre a la exposición y se formaliza en una alfombra de pequeñas dimensiones. Un mensaje mediante el dibujo que ofrece un tipo  de representación muy instintiva en que se reúnen muchas influencias con una carga de humor y ocio en base a una búsqueda o una reinvención de lo establecido. Por otro lado, diferentes objetos escultóricos realizados a partir de lámparas caseras y gorras, y dibujos hechos en frottage donde los mensajes de chiste o broma se quedan materializados como si de un mantra se tratase; por último un video de corte instagramero en el cual recoge infinidades de acciones de bajo relieve, de carácter casero que mezcla ocio, habilidad, y logro inútil realizadas con elementos y material encontrado en el momento y en el lugar que se producen. Unos ejercicios improductivos que alimentan únicamente momentos inactivos vividos en Marruecos en compañía de jóvenes de la zona como una forma vida despreocupada al margen de su poca funcionalidad y que de una manera natural el artista ha incorporado en su día a día.

josepmaynou.com
bombonprojects.com

EL MÉTODO FLAUVERT

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Exposición On Line #10
Un proyecto de Enric Farrés Duran en el marco del taller Demo_6

Un taller, un fondo de reserva de publicaciones de artista, una temporalidad reducida, un ritmo frenético, un grupo participante heterogéneo, una Institución. El método Flaubert es el punto de partida en que el artista Enric Farrés Duran ha propuesto para el taller de formación y asesoramiento artístico Demo_6. Un taller con un grupo de participantes transversal (estudiantes de arte, artistas, estudiantes de ciencias de la educación, comisarios) que se visibiliza en esta exposición On Line # 10 de La Panera.

En muchos casos las autoediciones o las ediciones especial de artista se hacen para que tengan recorrido, para que se muevan y lleguen a muchas manos mayoritariamente a precios pequeños y con recursos de producción limitados, o incluso inexistentes. Una vez que estas ediciones llegan a manos del Museo o de la institución, ésta queda atrapada, clasificada, ya la espera de salir a luz o bien, cuando hay algún tipo de revisión, o bien cuando alguien de manera individual tiene un interés especial en revisar e informarse sobre estas publicaciones.

En el taller El método Flaubert hemos podido subvertir un poco la dinámica de la institución incorporando por primera vez este Fondo de Reserva (28 tuppers gigantes repletos de libros, publicaciones, facsímiles, panfletos, objetos-libro, etc ..) en el proceso de trabajo del taller, utilizándolos como materia prima tocando y revolviendo, a fin de desarrollar un discurso y elaborar una línea de investigación propia. Un método, que como Flaubert define en el diccionario de los lugares comunes, “no sirve para nada”; y que Farrés Duran lleva esta afirmación como estandarte y punto de partida del taller.

Un actitud radical tanto en los parámetros subversivos del workshop como en la posterior grabación de la exposición, más cercana a las grabaciones de estudio que algunos grupos de rock o surf hacen de sus eps: todo de un tirón en poco espacio de tiempo, rápido, directo y energético; un trabajo realizado en el tiempo más breve posible y con la máxima intensidad, como lo hacen los 13th Magic Skull (grupo que tuvimos en la inauguración de la exposición en el Centro de Arte La Panera de Enric Farrés Duran), o como en su tiempo, y haciendo un paralelismo en la práctica editorial, Ed Ruscha autoeditado Twentysix Gasoline Stations de 1963. Elementos y carácteres que se hacen visibles en el tono y el discurso de esta exposición OnLine #10, que va a medio camino del relato irónico y paródico, al mismo timepo que se da voz a personas no especializadas, o no expertas (o en proceso de serlo) y que se presenta como otro acto de subversión en la propia dinámica de los procesos de trabajo de la Institución. En fin, un método que creemos que sí servió para algo.

http://www.lapanera.cat/home.php?op=63&module=editor
https://vimeo.com/256073369

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NEWS

“Gestalt, una ‘paroximació’ al Gesto extremo”. Una performance de Sergi Botella

El 10 de marzo a les 12:30h se presenta “Gestalt, Una ‘paroximació’ al Gesto extremo”, una performance de Sergi Botella que hace de acto de clusura de la exposición To play with heights with a kind of void, de Ian Waelder, y yambién de la colaboración con Nau Estruch de Sabadell.
“Gestalt, una paroximación al Gesto extremo” consistirá en una re-mezcla de diferentes materiales que ha ido experimentando Sergi Botella durante su período de residencia en Nau Estruch en 2015, así como los vínculos con trabajos más nuevos y otros más antiguos.
Gestalt podría traducirse entre otros significados como “construcción”, pero también como corriente de la psicología moderna, que propone la valía del todo, más allá de sus partes. Se mostrarán ejemplos de gesticulación en diferentes formatos: Una revisión de pintadas de mediados de los 80 hechas por encargo en la ciudad de Sabadell, una visita guiada a una tienda o la implementación de mobiliario urbano extra, entre otros.

Del dibujo a la performnace. Taller de Ana Garcia Pineda


El 11 y 12 de febrero Ana Garcia Pineda realizará un taller con alumnnos de la EAM Leandre Cristofol en el marco de colaboración entre DAFO y Nau Estruch de Sabadell.

El taller “Del dibujo a la performance” es un intento por abordar el dibujo como si no estuviera anclado en las dos dimensiones. En las diferentes sesiones se plantearán ejercicios partiendo de la propia metodología de trabajo: el uso de las performatividades del día a día, las vivencias personales, la escritura y el absurdo.

Visita_02: Pol Merchán + “True Stories of Art” performance/lectura de Pol Merchán // Martes 17 de noviembre 10:30h


Pol Merchan propone una performance concebida para ser realizada a grupos reducidos de público. Una lectura de textos que narran una serie de experiencias propias del artista, así como de otros/as, que han acontecido dentro del contexto del arte. El miedo a exponer el propio trabajo, la vergüenza, la relación con la obra y con el público, así como una serie de críticas o elogios que ha obtenido la misma performance en presentaciones anteriores, son algunos de los temas que aparecen en ella. Un trabajo que explora las experiencias afectivas y las relaciones interpersonales que acontecen en este contexto, poniendo énfasis a aquello previo y posterior a la exposición de la propia obra. Una performance que se alimenta de ella misma y que se construye a través de su propia exposición.


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